Tengo sentimientos encontrados, encuentro una lata que Portnoy se haya ido porque pese a todo el Mark IV de la banda era por lejos la más estable y afiatada, el verlos en vivo era toda una experiencia… sin embargo encuentro que la dirección musical y “la pose” que había tomado la banda no me estaba gustando y todo esto era obra y gracia del señor Portnoy.

Tal vez los fans más jóvenes no sepan, pero ya para el Falling into Infinity Portnoy había amenazado con irse y negoció con el líder original del grupo que era John Petrucci una serie de condiciones, que fraguaron magníficamente con el Scenes from a Memory y de ahí en adelante la vocería la tomó él como parte de un acuerdo común.

Fue bastante sorprendente ver como esa figura de “vocero” progresivamente tomaba la forma de líder y por qué no decirlo de dictador. Siempre Portnoy decía que las decisiones se tomaban en conjunto pero ya en el mismo documental del Sistematic Chaos se veía que al final su última palabra era la que valía. Si ya en una entrevista a principio de año comentaba que el 90% de las decisiones las tomaba él y que sus compañeros estaban “conformes” con eso. De alguna manera usaba eso como escudo a las críticas que le llegaban como la dirección sonora que tomó el grupo o el hecho que John Myung no estaba participando en las letras porque su estilo lírico no se ajustaba al esquema compositivo que “por acuerdo” habían planteado (el mismo Portnoy decía que la métrica de la lírica de Myung era complicada de ajustar). Esos detalles parecen weones pero en una relación de larga data empiezan a pasar la cuenta y Petrucci y Myung se la pasaron al baterista.

Portnoy sufrió el síndrome del líder, sintió que si él no estaba en condiciones de continuar con Dream Theater nadie debía de hacerlo, por eso la respuesta de sus compañeros (que tal vez solo fueron Petrucci y Myung) le indicó que su posición de líder ya no era aceptada y solo quedaba acatar o irse. La diferencia que él tenía con sus referentes de liderazgo (Roger Waters, entre otros) es que si bien el tenía el control creativo al ser el productor, no era el compositor principal, y en lo más profundo de su ser sabía que los clásicos de DT no fueron de su única autoría o de frentón no fueron escritos por él, entonces lo más inteligente que hizo fue pegar primero y publicar un muy martirizado comunicado de prensa donde en la práctica deja ver que se va por culpa de los otros, que sus ex compañeros son “los malos” por no tomar el receso que él creía que la banda debía de tomar. Encontré de mal gusto eso de que se estaba “sacrificando” para que sus compañeros pudiesen continuar. Eso de dejar mal parado a tus compañeros de banda gratuitamente se contradice con sus “deseos” de que Dream Theater prospere.

Me sorprende que muchos fans chilenos digan que Mike era el corazón de la banda o el 50% del grupo, si era así, entonces hay que aceptar que era un corazón o una mitad que no estaba del todo bien y que se estaba convirtiendo en un problema.

El encontrar un baterista carismático y tan talentoso como Portnoy va a ser todo un desafío para Petrucci y compañía , pero los grandes discos de DT se hicieron en crisis y esta es una crisis, pero que se puede sortear, porque los compositores principales siempre fueron Petrucci y Rudess y ahora Myung que tiene la libertad para escribir letras nuevamente. Todo esto da cabida a que la esperada reinvención de Dream Theater esté a la vuelta de la esquina. Puede caer mal pero la partida de Portnoy puede ser lo mejor que ha ocurrido a Dream Theater.

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Cuando uno cambia de decenio vienen los momentos de reflexión introspección y varios etc. Como soy bastante reservado no voy a compartir esos pensamientos, pero sí algo que ha marcado mi ser: La música.

Así pues en uno de esas muchas introspecciones empecé a buscar discos que han sido significativos para mí en lo que llevo respirando en el planeta y creo que di con la lista. Para hacerlo más interesante, esta lista tiene la condición de no colocar discos de antes 1980 y la idea es que sea un disco por año. También hay que entender que obviamente no escuché necesariamente los albúmenes al momento de salir, pero igual marcaron momentos específicos de mi vida y por eso los incluyo. Ya sin más rodeos vamos con el listado:

1980: El Heaven & Hell de Black Sabbath como disco lo escuché haaarto tiempo después de haber nacido, pero fue una polera de esa época de Sabbath que me introdujo al mundo del metal (o más bien la actitud del metalero a la edad de 6-7 años). Era de esas poleras que el estampado era de plástico y obviamente negra, así que les encargo el calor. Sobre el disco refleja la genialidad de Dio de tomar la antorcha que dejó Ozzy Osbourne y generar clásicos de gran factura, Neon Knights y la misma Heaven and Hell son canciones que todo metalero la debe saber.

1981: Conocí la música de Rush en 1995 cuando me prestaron el Exit Stage Left que en la práctica enmarcaba la gira de su disco más aclamado: El Moving Pictures. Mi experiencia con Rush fue bastante particular, para ese año había escuchado gran cantidad de la discografía de Pink Floyd, Deep Purple y Led Zeppelin y de alguna manera sentía que me faltaba un grupo que articulase esos estilos y sonoridades pero que a su vez tuviese una propuesta más refrescante y a su vez heavy y el Exit Stage Left cayó del cielo, porque tal vez yo no hubiese tenido la misma reacción si hubiese conocido a Rush con el Grace Under Pressure o el Power Windows. Como dice alguien que conozco “todo pasa por algo”.

1982: Si había un grupo que me sabía mucho de su repertorio sin tener idea de quienes eran, sin lugar a dudas era Toto. En la radio que ponían mis papas en los 80’, temas como Africa, Rossana, I Won’t Hold you Back sonaban mucho y quedaron registrado en mi ADN musical. Si existe un grupo que tenía la formula en los 80’ para hacer un muy buen rock/pop capaz que quedase registrado en el inconsciente era Toto y el Toto IV es el claro ejemplo de eso.

1983: Mi primer concierto metalero consistió en ver a Ozzy Osbourne para el Monsters Of Rock junto a mis primos mayores. Admito que en esa época no conocía mucho de la discografía de Ozzy, pero conocía lo suficiente para pasarla bien en el recital. Lo que tengo muy vívido en mis recuerdos fue cuando Ozzy dio el pase para que empezasen a tocar Bark at The moon y ver como el Caupolicán se caía por la euforia de la gente, y ver a mis propios primos transformados en energúmenos eufóricos gritando “¡¡vamos a botar esta wea!!” Primera vez en mi vida que veía como una canción podía transformar a las personas casi como le ocurre a Ozzy en el videoclip. Tiempo después (creo que para mi gira de estudios) compré el Bark at the Moon y no solo corroboré que es un discaso sino que más encima que había una canción que tocaban mucho en la radio que escuchaban mis viejos, y que la tenía bien registrada en mi memoria que era So Tired, ya con eso el Bark At The Moon se convirtió en un imprescindible para mí.

1984: El caso de Van Halen tiene cierta similitud con Toto, me sabía mucho de sus riff y melodías pero no tenía idea de quienes eran, tanto así que cuando me regalaron mi primer teclado me saqué el inicio de Jump sin saber el nombre y de quién era la canción. La diferencia con Toto estaba que conocí la música de Van Halen ya que UCV utilizaba pedazos de Jump y Panamá. Fue toda una sorpresa al momento que me presentaron en sociedad a Van Halen y que todas esas melodías que ocupaba UCV venían del 1984.

1985: A Marillion los conocí a finales de los 80’ en unas vacaciones de verano. Me acuerdo bien por la carátula del Misplaced Childhood, por el dibujo del niño que se “disfrazaba” de Bernardo O’higgins. Aunque por los malos recuerdos que tuve ese verano DETESTÉ por mucho tiempo a Marillion, pero Kayleigh y Lavender ya estaban en mi subconciente. Tuvieron que pasar casi 10 años cuando Marillion vino a Chile y transmitieron el concierto que tuve mi reencuentro con el grupo. Si bien me gusta más la era “H” no puedo negar que fue el Misplaced mi primer contacto con Marillion.

1986: Para esa época programas como Más Música, o Sábado taquilla era parte de mi consumo de TV y de los videos con los que alucinaban eran los de Europe, The Final Countdown era la canción más increíble que una banda podía hacer, además esa estética de grupo ochentero con los medios escenarios con luces laser alucinaba bastante. El video de Carrie también rotaba mucho y Rock The night sonaba mucho en las radios, así que cuando tuve la oportunidad de copiar cassettes el The Final Countdown fue unos de los primeros cassettes que piratié

1987: Imposible no mencionar a los Guns N’ Roses y el Appetite For Destruction, el solo de Sweet Child of Mine fue utilizado en cuanto aviso publicitario se pudo y era el ideal de todo quienes querían aprender a tocar guitarra. Yo me acuerdo de esa época un juego de Atari llamado Jungle Hunt y con mis amigos siempre poníamos Welcome to the Jungle para jugar al juego. Era chistoso ya que mientras uno jugaba los otros hacían headbangin…que para niños de 7-8 años era saltar como monos .

1988: Iron Maiden fue otro grupo que conocí de pequeño, aunque en distintas circunstancias de alguien que conoce por lo general a una banda, porque la figura de Eddie me daba miedo, ya que mi primo la usaba para asustarme. Fue ya en 1992 con El Fear of the Dark que empezó mi fanatismo del grupo, pero si hablamos DEL álbum de Iron Maiden que me voló la cabeza fue el Seventh Son Of A Seventh Son. Razones hay varias…el inicio de poesía épica de Moonchild, lo increíblemente pegote de Can I play with madenss, lo épica que es Seventh Son Of A Seventh Son con su interludio profético, el genial inicio del bajo en The Clairvoyant y la cruda verdad detrás de el título de Only the Good Die Young . Este disco marca el punto más alto de Iron Maiden en toda su discografía más que el Powerslave , más que el Number of the Beast.

1989: Este fue un año difícil de escoger un disco, porque no recordaba o no tengo casi ningún disco que fuese significativo para mí de ese año. Hubiese puesto Dr. Feelgood, pero nunca me impresionó Motley Crue. Así que pongo acá el Seasons End de Marillion principalmente porque marca el incio de la era Hogarth, además Easter y Uninvited Guest están dentro de mis canciones preferidas de todos los tiempos.

1990: Soda Stereo es una de esas bandas que definitivamente están en “el soundtrack de una vida” la escucho desde que tenía 6 años y si existe algo que une a la familia musicalmente hablando, aparte de los Beatles(en mi caso) es Soda Stereo. Gustavo Cerati es (porque sigue vivo) uno de los mejores compositores y guitarristas de América Latina. De toda la discografía de Soda Canción Animal es mi álbum preferido. De música Ligera, Te para tres, Un millón de años luz son himnos fundamentales para mí están en este disco.

1991: 1991 fue un año de mucho bombardeo musical en la TV y en la radio, las bandas glam metal daban sus últimos intentos de sobrevivir, el Rap estaba pegando harto, Vanilla Ice era como el ícono de esa época, Guns sonaban mucho gracias a Terminator 2 y Kenny G ya asomaba su corneta soporífera en las radios. Entre toda esta entropía sonora había un video de un flaco peinado para atrás sentado en una silla mientras veía a través de flashazos escenas alusivas a la religiones mientras sonaba una mandolina como instrumento dominante. Era Losing My Religion de REM del gran Out of Time que también traía Shiny Happy People una canción diametralmente opuesta a Losing my religión y uno de los primeros intentos que yo escuchaba en unir Rap con Rock con Radio Song. El término “Rock Alternativo” no se conocía o no lo mencionaban, lo que hacía que REM fuese un bicho totalmente raro dentro de lo que sonaba en 1991, pero si hay un grupo que lo relaciono con ese año es definitivamente REM.

1992: Mi historia con Dream Theater y el Images and Words se remontan unos cuantos años después. Luego de escuchar los covers que el grupo tocaba en el A change of Season el 96, me dije “debo escuchar este grupo”, principalmente porque como nunca me llamó la atención el grunge ni el nu-metal y el rock progresivo de la escuela de Pink Floyd y Rush estaba escaso y Maiden estaba viviendo sus “crisis” con el X-factor estaba en una búsqueda de un sonido qu lo tenía bien claro en mi cabeza. Si bien empezaba a escuchar death metal eso fue un poco inercia más que un convencimiento propio de escuchar ese género, hasta que se dieron todas las condiciones y me compré el Images and words en septiembre de 1997, me acuerdo bien porque fue volviendo de gira de estudios y yo tenía claras señales de una bronconeumonia. No sé si realmente viví una teofanía o producto de la fiebre deliraba, pero escuchar el Images & Words fue una wea que hasta ese momento no me había pasado con otro grupo fue súper raro, estar tirado en mi cama, viendo el techo y sentir las melodías que formaban efectivamente “imágenes y palabras” y con esto un nuevo mundo de nuevos sonidos y sensaciones se empezaba abrir en mi camino. Desde ese entonces el Images and Words es uno de mis 5 discos preferidos de toda la vida.

1993: El Counterparts de Rush tiene una historia bastante especial. Luego de escuchar el Exit Stage Left empecé a buscar más discos de a banda y me topé con dos; el Hemispheres y El Counterparts. Aluciné con el Hemisferios, pero no así con el Counterparts, obviamente estaba muy embobado con la onda progresiva con canciones largas y cosas épicas y las referencias a la mitología griega y a Nietzsche con el conflicto de Dionisio y Apolo. Pero a medida que yo maduraba me daba cuenta que el Counterparts era el mejor disco de Rush ya que los validaba como un sólido power trio ya con 25 años de carrete en esa época. El inicio de Animate es alucinante, Stick It Out es lejos el tema más pesado, lo melancólica que llegaba ser Nobody’s Hero, la sabias frases de Cold Fire y The Speed Of Love, lo alucinante que era Double Agent y lo esperanzadora de Everyday Glory , la suma de las cosas hacia que el Counterparts sea un portentoso álbum.

1994: Conocer a Pink Floyd fue bastante paradojal ya que el Division Bell fue el primer disco que escuché de ellos y resultó ser el último que publicaron como grupo. Sin embargo esto me dio tal vez una perspectiva distinta para acerarme a la música de Pink Floyd, un gran referente musical para mí. Desde ese momento que de ahí empecé a escuchar sus clásicos empezando por The Wall y de paso a conocer la tormentosa historia del grupo. Como en la práctica conocí al Pink Floyd de Gilmour y me convertí en devoto del sonido gilmouriano, siempre sentí que en gran parte de la “historia escrita” de la época sobreendiosaba la figura de Roger Waters y a la figura ausente de Syd Barret dejando a Gilmour y todo su legado (que es en la practica el sonido característico de Pink Floyd) en un muy segundo plano. Por fortuna el paso del tiempo reivindicó a Gilmour y a este disco que es un excelente disco.

1995: 1995 fue el año que el metal reinaba en mi curso, creo que si hubo un años donde tuve el mayor grado de infusión con el Death Metal fue ese, lo loco es que paralelamente yo escuchaba música de los 70. En fin , cuando esa gran vendaval pasó y uchas bandas pasaron al olvido las que recuerdo claramente son dos: Cannibal Corpse y Death pero la que hoy sigo escuchando es Death, siendo el Symbolic mi disco preferido de la agrupación, principalmente porque considero que ese disco es un manifiesto que se puede hacer algo brutal y a la vez sutil siendo totalmente cuidadoso en el momento de composición y grabación del disco, cosa poco común en los grupos death metal que realzan la brutalidad. El Symbolic tiene algo que lo hace único, que es el manejo de las tensiones dentro de la canción , hay pequeños espacios de calma que el genio de Schuldiner generaba, dejando en claro que lo que importaba era la música y que el metalero puede llegar a tener un oído entrenado y disfrutar de esos detalles.

1996: Ya en este año mi fanatismo por Deep Purple era declarado, y salió al mercado este disco el cual es un disco injustamente juzgado, ya que tiene el defecto de llamarse Deep Purple y de ser el primero de la definitiva época Post-Blackmore. Es que para el fan fundamentalista le habrá caído como patada en la guata cambiar del clásico sonido purista/blusero/barroco como el de Ritchie Blackmore a uno virtuoso-tecnicista/distorsionado/jazzfusionado como lo es Steve Morse, al cual le cayeron las criticas por el cambio de sonido de la banda en 1996. Es que tal como dice el nombre del disco, el grupo realiza un giro de 90 grados a una búsqueda de sonidos nuevos, mas distorsionados y con composiciones que se alejan del clásico hard rock hacia sonidos más tirados al jazzfusion, con arreglos bastante bien hechos encontrando desde baladas hasta algunos temas algo folk e incluso countrymetal (por decirlo de algún modo). Y claro riffs hardrockeros y duelos entre el teclado y la guitarra, en una época que todavía prevalecía la melodía a la velocidad. Desde mi perspectiva, hasta la fecha este ha sido el mejor disco del grupo desde Perfect Strangers. Y me presentó a uno de mis héroes de la guitarra como lo es Steve Morse.

1997: Metallica empecé a escucharlo a partir de 1992 con el álbum negro, que es el álbum que casi todos conocen. En esa época Metallica se encaminaba como la banda más grande del mundo y como Guns se disolvería un par de años después, no había duda que iba a ser así…hasta que se cortaron el pelo, y empezaron a aparecer más seguido en MTV, porque seamos sinceros lo que descolocó y molestó a muchos es su cambio de pose, porque desde que tengo memoria musical y averiguo sobre las bandas no existe un caso en que se generara una animadversión como que le pasó a Metallica a partir del Load y sigue hasta estos días y fue más por su cambio de pose que cambio de estilo. Si bien el Load pagó el precio de la transformación de sonido de thrash a Hard Rock, pienso que el Reload(que fue mi primer CD original de Metallica) como álbum está mucho mejor resuelto y tiene super buenos temas como Fuel (que es EL tema que siguen tocando hasta hoy) The memory Remains, Devil Dance entre otros, muchas de estas canciones que no se volverán a oir en vivo por los fanáticos mas fundamentalistas y la triste asociación que se le hace este periodo con el tema Napster que por desgracia opacó más aún este álbum.

1998: EL grunge no fue lo mío, me costaba hacerles click, como que necesitaba trasponer sus canciones para empezar a aceptarlas como lo que me ocurrió con Nirvana y el Unplugged. En el caso de Pearl Jam no era un grupo de mi total gusto hasta que salió el Yield, un disco que se notaba una total evolución del grupo en crear canciones, los discos anteriores siempre tenían cierto remanente al Ten que también es un buen disco , pero tenían es vibra grunge que yo no enganchaba . Pero con el Yield empecé a ver a Pearl Jam como una banda Hard Rock y es desde entonces que me gusta el grupo. Es increíble como un disco en particular te puede cambiar toda la mirada de una banda.

1999: El Scenes froma a Memory es sin lugar a dudas el mejor disco de Dream Theater ¿por qué? Porque es una obra de arte, un disco muy bien trabajado y cuidado, no hay notas demás no hay pirotecnia excesiva como está pasando en los discos actuales, no tratan de forzar estilos, simplemente la música fluye contando una historia con una lírica hermosa que en 78 minutos genera ambientes de emociones durante el desarrollo de la narración con un desenlace muy desconcertante que costó un buen rato calibrar para descubrir que pasaba. Además ese misticismo del disco creció tiempo después que se reveló que fue la prueba de fuego que definió la continuidad misma del grupo. Todo esto sumado a que el arte del álbum estuvo a cargo de un grande como es el caso de Dave McKean, hace del disco un objeto de culto, con una caratula que fascina y a la vez asusta. Aparte las circunstancias en que se dio la comprá fue bastante especial como escribí tiempo atrás.

2000: El cambio de milenio marcó notoriamente lo que se veía en la TV y se escuchaba en la radio en cuanto a consumo musical, mucho Limp Bizkit, Korn, Kid Rock, Britney, Cristina Aguilera . De repente en una noche escuché la voz de Maynard James Keenan de Tool y me dirijo a la TV y no era Tool, era otra banda pero lo que sonaba era bueno, totalmente distinto a lo que en ese año sonaba en MTV y en las radios en general, como describirlo…un sonido industrial más accesible y así apareció A Perfect Circle con Mer de Noms, lejos lo mejor que estaba dando vueltas el 2000.

2001: El 2001 fue el año que vivimos en peligro (y el que me tomé mi año sabático), el atentado a las torres gemelas dio mucho que hablar y muchas sensibilidades se sentían en el ambiente. No sé si Tool captó es espíritu de manera profética, pero el Lateralus captura muy bien es vibra media oscura que se vivió ese año. Los conceptos religiosos como Schisim o Parábola, entrecruzado con ideas como la rabia tratados en The Grudge o esa disruptiva alusión al fin del mundo al final del disco, lo hacía algo que llamaba la atención. Admito que Tool no me hacia clic, tal vez la voz de Keenan me hacia un poco corto circuito, pero fue gracias a A Perfect Circle que la terminé aceptando y bueno que Tool tomara un rumbo mas progresivo también: D.

2002: El Six Degrees Of inner Turbulace de Dream Theater tiene varias significaciones, primero lo compré con dinero que generé producto de mi trabajo, fue la primera vez que compraba un disco con plata obtenida por trabajar y se sintió bien, además marcó la vuelta a la universidad luego de mi año Sábatico. Ahora respecto a Dream Theater mismo este disco marcó un notorio punto de inflexión donde se hacía una clara separación entre el lado metalero y progresivo, y que era muy evidente entre el disco uno y el disco dos, tanto así que el Train of Thought y el Octavarium fueron claras continuaciones de esta bifurcación y bueno al final vemos cual bifurcación tomo el grupo de manera definitiva.

2003: Ya para la primera mitad de la década estaba sintiendo que la “formula” progresiva se estaba agotando, si bien King Crimson y Tool estaban sacando buenos discos, como que sentía la necesidad que bandas apropiasen elementos progresivos y le dieron un giro distinto, para mi fortuna encontré dos bandas en esta década, una de ellas es Muse. Si bien Muse tiene un fuerte sonido british mainstream , la influencia de Queen progresivamente se hacia notar , en el buen uso del piano y las guitarras , no solo en el hecho que sonaran “bonito”, cosa que cualquier banda british podía hacerlo pero que tenga un componente de fuerza, caracter como ocurre en el Absolution con temas como Apocalypse Please, Stockholm Syndrome, o Butterflies and Hurricanes.

2004: El 2004 fue mi reivindicación con Megadeth, por mucho tiempo lo único que escuché del Megadeth fue el Youthanasia en un cassette súper rayado, luego le perdí la pista y había dado por muerto al grupo cuando Mustain se había cagado la mano a principios de la década del 2000, pero cuando volvieron con The System Has Failed quedé patrás, se me había olvidado lo bueno que era Megadeth. De ahí en adelante hubo una reivindicación por parte mía al grupo de Mustian y ya son parte del soundtrack de mi vida (que cursi esa frase jaja).

2005: el 2005 es el año que salió el Octavarium de Dream Theater, pero como mencionaba anteriormente, el grupo de Portnoy y asociados de algún modo vislumbraba ya señales de agotamiento creativo, que quedaría más expuesto en los dos siguientes discos. Ya había mencionado a Muse como uno de los grupos que rearticularon elementos progresivos y los hicieron mas mainstream. El otro grupo es Porcupine Tree liderado por la mente maestra de Steven Wilson. El primer disco que escuhé fue el Deadwing y quedé peinado para atrás , eran canciones que tenían una fuerza inusitada, pero no era un festival técnico ni tampoco una cosa precaria ruidosa, las notas estaban tocadas en el orden exacto, el nivel de producción sonora era muy elevado, no había detalle suelto, pese a los simple que parecia sonar, Porcupine Tree rescató la importancia del buen sonido y de las melodías bellas que parecía que en el ámbito de lo progresivo/psicodélico del 2005 se derivaban en técnica y experimentación. Las líricas son todo un tema, melancólicas , irónicas, duras, pero con muchas dosis de verdad. De ahí en adelante me convertí en un ávido fan de este grupo, descubriendo su faceta psicodélica que era digna de decir que fueron los sucesores naturales de pink Floyd antes que Radiohead…pero que luego me di cuenta que había otro grupo con ese cetro.

2006: Después del Live 8 David Gilmour había logrado lo que por mucho le fue esquivo, me refiero a su reconocido sitial como pilar fundamental del legado de Pink Floyd. Pero le faltaba algo, un buen disco solista. El Division Bell por mucho que él haya sido el compositor principal, era de Pink Floyd, así que necesitaba mostrar algo propio, y logró hacerlo con On an Island , disco que muestra su lado más folk que los estaba cultivando y mostrando por qué ha obtenido el estatus de uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. El On a Island también tiene el detalle que es el último álbum en estudio donde participó Rick Wright.

2007 : El 2007 Porcupine Tree ataca de nuevo y esta vez Wilson muestra su perspectiva de cómo puede sonar una banda de metal progresivo según su enfoque, con un disco que de frentón se puede definir “de protesta” Fear of a Blank Planet es el comienzo de una declaración de principios acerca de la sociedad alienada producto del sobre consumo de medios de comunicación como la Tv o los dispositivos portátiles y los fármacos. Una muy cruda visión del mundo que nos hace sacudirnos y hacernos consientes que algo no anda del todo bien en la sociedad que estamos viviendo. En una era que los discos de denuncia fueron cayados por las disqueras y la temática común son las desilusiones amorosas, existe alguien que denuncia los problema más macro y ese es Steven Wilson y su instrumento para hacerlo es Porcupine Tree.

2008: Si me dicen ¿Quién fue el personaje de la segunda mitad de la década del 2000 musicalmente hablando Steven Wilson de eso no tengo duda, adentrarse más en el prsonaje es abrir un mundo de bandas musicales como No-Man o Blackfield y claro Porcupine Tree, entonces ¿para que un disco solista? Es entonces que Insurgentes pasa a ser el eslabón perdido del ecléctico mundo compositivo de Stven Wilson, ya que estas canciones podríamos colocarlas en un centro perfecto que conecta a todo lo que él ha hecho. La gracia de las canciones de Insurgentes es que se parece a todo lo que ha hecho anteriormente y a la vez no, como él declaró son canciones que necesariamente encajaban en un disco solista. Las canciones de este disco son por lo general atmosféricas con sensaciones sombrías y desoladas. Lasse Hoile logra capturar muy bien en fotografías y videos la imaginería de este disco, donde también acá hace su manifiesto contra la sociedad ipod como él ha llamado.

2009 : El 2009 fue difícil de elegir ya que ni Dream theater ni Porcupine Tree ni Muse hicieron un disco 100% redondo, cada uno tenía ciertas imperfecciones. Durante el año pasado siempre cuando salía un disco nuevo decía este es el disco del año, pero a medida que los escuchaba encontraba peros. La sorpresa la trajo la vuelta a escenarios de una banda que estaba muerta desde hace casi 10 años : Transatlantic con The Whirlwind, un disco súper ambicioso porque en la práctica era una gran canción de 77 minutos de un grupo que se había separado hace tiempo y resultó no solo el mejor disco del años sino el mejor de Transatlanic hasta la fecha, un disco que mantiene la onda espiritual de los anteriores, con la batuta lírica manejada por Neal Morse, pero hicieron un switch en cuanto al protagonismo vocal dando paso a Roine Stolt como vocalista principal y dando más participación vocal a Portnoy y Trewavas lo que le da un giro totalmente distinto a este disco en comparación a los anteriores. Es increíble la conjunción que se da porque los músicos adquieren un protagonismo que no se da de la misma manera en sus bandas, Morse se orienta a la lirica mas espiritual y menos religiosa, Trewavas resalta en su manejo en el bajo cosa que últimamente no se ve en Marillion y Portnoy toca lo justo y necesario sin convertir su participación en una exibición de técnica como lo ha estado haciendo con Dream Theater, eso pequeños pero importantes detalles hacen que el The Whirlwind sea lejos lo mejor del 2009.

2010: El 2010 es para un grupo que conocí el 2009 pero que sacaron este año un compilado ideal para conocer su música, me refiero a RPWL y The Gentle Art Of Music. Mucho se ha hablado de quienes son los herederos del sonido floydiano , en un momento se dijo Radiohead, en un principio Porcupine Tree parecía que iba por ahí, pero los 5 discos de RPWL dan por hecho que son ellos…pero con una dosis del sonido de Marillion. Lo entretenido de RPWL es que se puede hacer el ejercicio de decir que así sonaría Pink Floyd de seguir existiendo y de haber tomado ciertas ideas de Marillion, gracias a que Jürgen Lang canta igual que David Gilmour y el sonido de la guitarra de Karlheinz Wallner refleja un justo legado de Gilmour en cuanto a sonoridad se refiere.

Y he terminado mi revisión de 30 años a través de 30 discos… lo mas probable es que haga otra así a los 35 o tal vez los 40

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¿Y qué decir? El DVD doble  es un producto de culto para fanáticos de Rush.

El primer disco consiste en la película en sí, que dura 1 hora y 45 minutos  que aborda desde la infancia de sus miembros, cómo se conocieron, cómo en sus primeros conciertos  tocaban en fiestas y quermeses  para colegios arruinando la fiesta ya que la gente iba a bailar y no a rockear, el salto a ser un grupo profesional, la llegada de Neal Peart y por qué él tomó el control de las letras del grupo. Si bien la información gruesa uno lo puede saber sólo con sentarse un día a leer todos los artículos que hay en internet, la recepción es distinta escuchándola de los mismos protagonistas y gracias al material de archivo que apoya el documental.  Memorable el momento que un adolecente Alex Lifeson  discute o con su padre acerca de dejar el colegio y dedicarse a la música  demostrando lo decidido que estaba en seguir ese camino.

El relato muestra claramente las variadas facetas del grupo, algo que uno sabe pero verlo tan vívidamente ordenado es algo bastante loco: por ejemplo sus inicios zeppelinezcos, cuando  se cuenta que telonearon a Kiss y Gene Simmons los contactó preguntándoles  “¿ustedes son los Led Zeppelin canadienses?”.

El otro punto entretenido es ver  la cantidad de figuras del Rock  que le rinden tributo a Rush, el que más me llamó  fue Billy Corgan, figura más asociada con el Grunge, quien admitió que se había aprendido 2112 entera.

También el documental muestra momentos tensos como todo el tira y afloja con los ejecutivos por componer temas radiales antes que saliera  2112 o el tema de la era electrónica de los 80’ donde Lifeson mostraba sus molestias evidenciando las diferencias compositivas con Geddy Lee y el trágico suceso de la muerte de la familia de Neal Peart.

El trabajo del documental está bien hecho, empezando por la la división de capítulos y el cómo se concatenan las cosas. La gracia es que la película está pensada no solo para el fan de Rush, sino para alguien que le gusta el cine documental en donde Sam Dunn y Scot McFadyen han hecho un excelente trabajo en unir el género documental con el musical, les recomiendo que le den una mirada a sus otros trabajos.

El segundo disco es 100% orientado al fan geek de Rush, con los Outakes  que no entraron en la película como “la experiencia de Hemispheres” en que explican por ejemplo por qué La Villa Strangiato se convirtió  en un tema instrumental o el otro Outake que es la juntada del grupo en un restaurant donde “dieron jugo” por 4 horas.

En fin el documental es bueno por donde se lo mire y por lo menos en lo personal saqué las siguientes conclusiones:

1. Me sigue generando algo de resistencia la era Zeppelinezca de Rush, aunque con el tiempo la he estado asimilando.
2. El Signals y el Power Windows no los he escuchado (salvo sus canciones que aparecen en discos en vivo) habrá que trabajar en ello.
3. Comprarme el Test for Echo del cual por extraños motivos sólo tengo tres canciones.
4. Darle más oportunidad al Vapor Trails
5. Que no he estado tan errado en declarar que el Counterparts es su mejor disco si de hecho ellos mismos admiten que fue  un punto crucial para la era hardrockera que por la cual hoy transitan.

Eso es vayan dense la molestaia de comprar el DVD, es algo que vale la pena.

Bueno acá les dejo un temita que un poco encapsula el espíritu del documental

PD:A todo esto este es el post nº100 desde que existe este Blog

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De partida en la gira del 2007, es la primera vez que presentan un disco en forma íntegra y completa, que en este caso es el Fear of a Blank Planet, que marca como una suerte de declaración de principios de parte de Steven Wilson acerca de la integridad musical del álbum como objeto de arte y el estado actual de la sociedad iPod que él se ha esmerado en criticar.

La primera parte del recital es el disco completo. Lo primero que podemos notar en la interpretación en vivo al momento de empezar a escuchar Fear of a Blank Planet es la voz de Wilson, bastante gastada, pero a su vez inyectada de rabia, con efectos de distorsión y de eco, como si realmente le molestase lo que ocurre en esta sociedad enajenada y denuncia lo que está ocurriendo. Sleep Together y la misma Anesthetize son ejemplos de eso. Ahora debemos agradecer la existencia de John Wesley en la banda ya que está haciendo el contrapeso vocal en las partes melódicas, porque sino el disco sonaría muy agrio. No entiendo por qué Wilson no lo nombra como miembro definitivo si técnicamente es el segundo vocalista y en varias canciones hace la primera guitarra, hasta ha producido parte de los discos desde que entró como guitarrista de apoyo y de sesión para el In Absentia.

En cuanto a interpretación instrumental de la primera parte del concierto fue impecable. Destacando a Gavin Harrison que ha demostrado por qué ha destronado a Mike Portnoy los últimos 3 años como el mejor baterista votado en Modern Drummer Magazine y al trabajo silencioso de Richard Barbieri, que en vivo tiene mas cancha para jugar con las atmosferas, Sleep together es un buen ejemplo.

Tal vez al no ser un álbum conceptual como tal, Wilson hace cortes entre canción y canción con su siempre británico “thank you” y en un par de ocasiones presenta la canción que viene. Porque por lo que he visto en youtube de sus conciertos actuales, el The incident lo toca sin pausa alguna…me pregunto si en su lucha por la integridad de la música pueda a llegar enajenarse y generar un muro como le ocurrió a Waters…pero eso es harina de otro costal.

En la segunda mitad Porcupine Tree nos da un paseo por toda su discografía anterior, pero para ser sinceros se centraron en 2 álbumes y un EP. Sobre el EP me refiero al Nil Recurring que es lo que sobró del FOABP, de este disco tocaron tres de las cuatro canciones que lo conforman, obviamente no tocaron Nil Recurring debido a que no estaba Robert Fripp con quien grabaron la versión de estudio. Lo que me llamó la atención es que tocaron varias canciones del Signify, un álbum bastante especial ya que marcó el fin de su período psicodélico. Si bien las interpretaciones mantenían el espíritu original de las canciones, se notaba que fueron actualizadas al actual momento sonoro de la banda, a algunos eso no les gustará, yo no le encontré problema alguno, de hecho la versión en vivo de Sever la encuentro fenomenal. Las otras canciones son del In Absentia, destacando Drown with Me que no salió en el disco original y la fusión de Strip The Soul con .3 .Para finalizar cierran el concierto con Halo, del Deadwing y con eso termina el disco.

A mí me gusta el concepto de disco en vivo por mucho que sea evidente que hay posproducción después de registrarlo, porque aún así refleja que los grupos son compuestos por personas con virtudes y falencias y que al tocar se genera esa mística entre músico y el fanático asistente. Si bien no estamos en el recinto donde tocaron al escucharlo en nuestras piezas de alguna manera esa mística se traspasa y siente que estuvo presente en un buen concierto.

Tracklist del Anesthetize

1. Intro
2. Fear of a Blank Planet
3. My Ashes
4. Anesthetize
5. Sentimental
6. Way Out of Here
7. Sleep Together
8. Prodigal (solo para CD)
9. What Happens Now
10. Normal
11. Dark Matter
12. Drown With Me
13. Cheating the Polygraph
14. Half-Light
15. Sever
16. Wedding Nails
17. Strip the Soul / Dot Three
18. The Sleep of No Dreaming
19. Halo

Para aquellos que no han visto nada de este disco o ni siquieran han escuchado a Porcupine Tree les dejo Way Out Of Here

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Al comprimirse el audio, se eliminan ciertas frecuencias, perdiendo información que antes era audible en CD. Por ejemplo: si comprimen el dark side of the moon a mp3, la frase final “there is no dark side…” no se escucha a lo menos que pongan el volumen al máximo. En otras palabras la integridad sonora de un disco o canción se pierde.

Ante esta situación los ingenieros que masterizan los discos, en el último tiempo han decidido subir el volumen general, de tal manera que al comprimir se pierda la menor información sonora posible, sin embargo en equipos de alta definición estos discos evidencian problemas de saturación. Además, un reciente estudio hecho por un profesor de  música de Stanford  dice que sus alumnos no encuentran mayor diferencia entre un audio en HD y un Mp3 argumentando que el oído se ha adaptado a sonidos de menor calidad.

El asunto es que el problema de la calidad sonora de los discos es algo que  preocupa a un pequeño nicho, ya que como señala el artículo, el aumento de ipods y la baja venta de grandes equipos de audio evidencian un tema más de fondo, relativo a la forma de escuchar música en sí. La gente ya no escucha música como actividad sino que ha pasado a ser una suerte de subrutina, un acompañamiento mientras se hace otra actividad como  trabajar, cocinar, estudiar, trotar, etc.

Las conclusiones del artículo hizo que un personaje en particular tomara cartas en el asunto: Me refiero a Steven Wilson.

Wilson, quien se ha convertido en una suerte de paladín contra la cultura Ipod,  escribió una carta que fue publicada por el New York Times, en donde señala que el mayor daño producido es que se ha perdido la práctica del “arte de escuchar música” producto de la lógica de wurlitzer que conlleva el bajar canciones desde iTunes y a la pérdida de la materialidad del disco como objeto de arte al transformar el álbum en un archivo digital.

Tal vez el punto sobre el arte de escuchar música es lo esencial. No se les puede pedir a todos que lo practiquen. El tiempo y el dinero no dan para sentarse en un salón a escuchar música y si es una actividad que no apasiona tampoco amerita a hacerlo.

El practicar un arte, sea cual sea, requiere tiempo o darse un tiempo para hacerlo. En días como hoy, en donde la persona que no es multitasking muere, es difícil sentarse en una pieza y dejar que la música suene. Admito que yo era de aquellos que practicaban esa disciplina (y que de algún modo lo continuo haciendo); podía pasar una tarde entera en mi pieza escuchando música, pero a medida que el tiempo avanza, la cantidad de actividades que uno realiza aumenta, pero el tiempo sigue siendo el mismo. Lo que significa que si quiero practicar el arte de escuchar música, en la cantidad de horas que lo hacía hace 5 o 10 años atrás, la única manera que tengo es escuchar música mientras trabajo y llevármela conmigo mientras viajo de un lugar a otro. Y ya es algo complicado, porque vivimos en una ciudad muy ruidosa y a lo menos que te revientes los oídos escuchando a todo volumen o te compres un casco/audífono es difícil emular la experiencia del “cuarto de música”. Pienso que mientras uno tenga la intención y hace el esfuerzo de escuchar lo que suena en los audífonos la experiencia de escuchar música no se pierde, PERO para que esto funcione uno debe gustarle la actividad de escuchar música, sino será como dice el artículo del NYT: una subrutina que acompaña a otra actividad.

Sobre el punto de la pérdida en la calidad sonora de la música, es un hecho que los afectados son los que tienen buen oído, pero en una ciudad tan ruidosa como Santiago si existe alguien con buen odio va a cagar pronto. Ahora, del universo de personas que aún tienen buen oído (que deben ser muy pocos) la solución es: o gastan una cantidad absurda de plata en tener equipos con dobly 6.0 y compran los DVD-A o lo SACD, o se contentan en ser algo mas busquillas y buscan alternativas de encodear en mp3 ocupando el lame mp3 o pasando los discos a flac  (aunque implica tener mucho disco duro). Pero cuánto afecta la calidad del sonido en el  arte de escuchar música puede ser relativo, porque muchos de nosotros empezamos a escuchar en equipos más bien modestos. En mi caso, una radio Aiwa que sólo tenía ecualización de altos y donde escuchaba cassettes muchas veces copiados de una copia y aún así lo escuchaba y recontra escuchaba. Nuevamente lo que importa es tener la disposición a escuchar y disfrutar el acto de escuchar.

Ahora respecto a la postura del señor Wilson en contra de la cultura iPod, siento que él cae en una falacia, tal vez arrastrado por la nostalgia de su juventud de la época del vinilo, donde ahí literalmente era uno y la fonola y tener un disco original más bien otorgaba status, pero me pregunto ¿el nunca hizo un cassette de compilados de la radio o de lo mejor de sus discos? o ¿acaso no tuvo ningún álbum donde había  una canción buena y el resto es pura basura?  Porque no hay lógica que resista comprar un álbum donde haya una sola canción que me agrade, a lo menos que uno sea un coleccionista de discos.

Está bien, el mercado ha facilitado la cultura del single y que los álbumes no son más que un collage de singles que los van matando de a poco como si fuese unas bengalas. Pero si nos ponemos a pensar siempre ha sido así desde la concepción de la música popular como industria, salvo que por lo globalizado  y lo inmediato de hoy  todo se hace más evidente.

Al final discos realmente buenos son menos de los que uno cree, y ahí está el verdadero desafío de los músicos de hoy: de  generar una obra de arte que seduzca al que lo escucha de principio a fin de tal forma que uno vaya un paso más allá de tenerlo en formato digital y lo tenga  como CD o DVD para atesorarlo porque significa que vale la pena tenerlo y escucharlo de principio a fin…practicando el arte de escuchar música.

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Para resolver mi inquietud consulté al oráculo de Google y me dijo que la canción se llama Running Up That Hill, y para mi sorpresa, la canción no es de Placebo sino de Kate Bush y es de 1985. Lo más loco del asunto es que el mismo año que Placebo lanzó el cover(2003), Within Temptation saca también su  propia versión.

Así que tenemos tres sabores de la misma canción. Para  entender los matices de cada una hay que entender de qué trata la letra: en esencia es alguien que está hablando con un ángel  y le  menciona el  trato que quiere hacer con Dios para cambiar de lugares para así saber qué se siente estar del otro lado y para que el ángel sepa qué significa ser un humano en la Tierra.

La versión original de Kate Bush

Del álbum Hounds of Love, el mito urbano dice que la canción fue chuteada por mucho tiempo por el sello discográfico ya que la encontraban polémica por su título y por su letra (originalmente se llamaba A Deal with God) y la disquera no quería problemas con la Iglesia Católica, que en ese tiempo tenía harto más poder que ahora. Para eso los productores  le cambiaron  el nombre de la canción  y la remozaron con todo el groove de los 80’ y con una coreografía espantosa, sello de los videos de Kate Bush (¿se acuerdan de Wuthering Heights?). Pero para que a nadie le explote el cerebro dejo la versión en vivo en que David Gilmour se hace cargo de la guitarra y de los coros.

La versión de Placebo

Esta versión, que apareció el 2003 como un extra del Sleeping with Ghosts, es bastante oscura, con un tempo considerablemente más reducido al original, sin embargo rescata el espíritu de la canción: el hablar con Dios, generando una atmosfera que lo supera a uno, dando la sensación la que en realidad  el tipo que está haciendo el trato con Dios lo hace para puro huir del mundo y dejar al ángel con la angustia.

La versión de Within Temptation

La versión  de Within Temptation se ajusta más a la original, sin embargo, a su modo también captura el espíritu Teofanístico del tema aunque en un ángulo distinto al de Placebo, ya que la música resalta el tema de poder ser un ángel, con coros celestiales matizados con ciertas tonadas célticas.

Es interesante ver los caminos que puede tomar una misma canción. Definir cuál es la mejor versión va a depender cuál es la parada musical/filosófica de cada uno. Por lo menos yo puedo decir que la de Kate Bush es buena pero no es mi preferida.

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Una de las cosas que se debe agradecer al Progressive nation de Mike Portnoy es que dio espacio para que muchas bandas chicas empezasen a sonar de nombre y uno accediese a sus sitios de Myspace y escucharlos y ahí aventurarse a gastar ancho de banda en bajar sus álbumes y a la larga dinero para comprar sus discos. De esa forma BigElf apareció en mi radar musical hace ya 6 meses mas menos.

¿Y que es lo que hace que Bigelf sea objeto de algunas palabras en un blog? Pues su apuesta retro/revisionista. Imaginen a The Beatles , Deep Purple, Led Zeppelin, Black Sabbath, Genesis y Pink Floyd tuviesen un punto de convergencia. Pues ahí se encontraría Bigelf , como un viejo minero artesanal que sigue explotando estos viejos yacimientos pero que aun puede sacar minerales preciosos para nuevos usos.

Pero BigElf no son unos aparecidos, llevan ya más de 15 años bajo el comando de Damon Fox, vocalista y tecladista del grupo, tratando de expandir lo más posible los umbrales de los sonidos de finales de los 60’ y gran parte de los 70’ combinándolos con las corrientes sónicas actuales.

Pues bien, podríamos decir que BigElf tiene dos grandes etapas, la primera etapa en que la influencia de los Beatles post Sargent pepper es la que mas sobresale y se escucha es sus discos Closer To Doom (1996) y Money Machine(2000) y la segunda en que Deep Purple y Black Sabbath se hacen sentir con más fuerza, en los discos Hex(2003) y Cheat the Gallows (2008). Es en esta época que emerge el alterego de Damon Fox “The mad hatter” apareciendo en todos sus recitales con un sombrero de copa y tocando un órgano hammond en cada mano, dándole un toque más teatral a sus presentaciones, de hecho en el recital de Chile parecía Jesucristo crucificado en algunos momentos cuando tocaba los teclados con los brazos extendidos. Eso sí todos sus discos tienen un dejo de matiz gótico con psicodelia que sería como el factor común en toda su discografía.

Las temáticas de las letras de las canciones se mueven en todos los espectros, están esas que abordan el imaginario de lo maravilloso y lo fantástico como lo son Gravest Show On Earth, The Madhatter o Hydra, como también los clichés clásicos de abordar el tema de los lisérgicos y drogas varias como Neuropsychopatic Eye , Side Effects o Pain Killers y dramones amoroso como Bitter End, pero la temática que mas me llama la atención son las referentes a ellos como banda donde narran cómo han tenido que sortear los vaivenes, sueños y desilusiones de lo que significa sostener una banda de Rock hoy día. Temazos como Rock and roll Contract , Money It’s Pure Evil, The evils of Rock and Roll, entre otros son un verdadero testimonio de la historia de este grupo.

En fin cerrando este reporte no me queda nada más que decir que ¡Dámas y caballeros! ¡¡BigElf!!

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La previa del Show

La tercera visita de Dream Theater a Chile se dio en circunstancias bastante excepcionales: Un terremoto y un cambio de mando que forzaron casi a última hora cambiar la fecha del recital un día después. Si ya el lío de cambio de fecha era un problema, las 4 réplicas fuertonas dejaron en vilo el recital por el tema de la seguridad en el Movistar y a los neoyorkinos cagados de miedo, ya que para ellos la palabra terremoto no era más que un concepto de diccionario, de hecho Mike Portnoy arrojó una no muy afortunada frase en twitter al respecto, lo que le significó varios problemas con algunos fans bastante “sensibles” que lo increparon via twitter y en Audiomúsica. Esos weones no entendieronque la frase provino de un tipo que con cuea en su vida había sentido un temblor y menos un casi terremoto como el del 11 de marzo…y así en ese clima enrarecidoera la previa del show.

El día 12 partió relativamente bien, empezando con mi pseudo encuentro con Jordan Rudess en el Starbucks de Pedro de Valdivia. Admito que entréen un pánico ridículo, porque nunca se me ocurrió que efectivamenteme lo toparía, y no atiné a acercarme a saludarlo…por suerte él empezó a hablar por celular, así que cuando noscruzamos y me cachó (porque yo andaba con una polera de Dream theater y con mi cara petrificada de sorpresa) él hizo un ademán de saludoy siguió caminando mientras hablaba por su iphone, así que fue un buen inicio aunque el no haber atinado a saludarlo fue un Epic Fail mío.

En el Movistar Arena fuebien organizada la cosa para entrar, tanto que cuando hacíamos fila con mi hermano, nos entregaron unos volantes de la organización indicándonos qué hacer al momentode evacuar, eso sí alnotar donde estabanlas zonas seguras del recinto pensé que era una broma de mal gusto, también me acordé que la vez pasada que fuí a cancha quedamos debajode la jaula de focos y en esa ocasión pensé ¿si llega a temblar y esa wea se cae sobre nosotros? esos factores reafirmaron mi decisión de esta vez ir a platea baja en vezde cancha como las última dos veces, también porque quería ver el concierto tranquilo y no estar en una competencia de saltos como las dos últimas veces.

BigElf: El telonero de turno

Ya dentro esperamos un rato para ver al telonero, los norteamericanos de BigElf, una de las bandas preferidas de Mike Portnoy a quienes yo ya ubicaba y escuchaba hace rato por lo tanto disfrute su presentación que resalta por su estilo retro y algo teatral, si bien la audiencia chilena no era la más apta para ellos lo escucharon con harto respeto, ojalá vengan de nuevo cuando venga Porcupine Tree (algún día) ya que su estilo se amolda mas al de los ingleses.

Si bien dentro de poco voy a escribir un artículo sobre BigElf les dejo el setlist que tocaron para que sapeen en lugares como youtube y Myspace:

1. The Evils of Rock and Roll
2. Neuropsychopathic Eye
3. Pain Killers
4. Hydra
5. Madhatter
6. Blackball
7. Money, It’s Pure Evil

El teatro de los sueños comienza la función por tercera vez

Siendo las 20:32, empieza las fanfarreas que dan la señal del inicio del show, al terminar las luces se apagan y comienza a sonar el sonido de la lluvia con que empieza A Nightmare to Remember, mientras lentamente se prendía un foco detrás de un telón negro que evidenciaba las siluetas de los músicos, ahí vemos a Jordan empezar a tocar el piano para dar paso a toda la maquinaria gótica metalerabotando el telón y dejando a los músicos ya al descubierto. Ahí las 9700 personas en el MoviStar Arena se volvieron simios (me incluyo), si bien la canción ha sido la apertura de toda la gira, las circunstancias hicieron que fuese muy pertinente y evocador con lo que vivimos recientemente:

A nightmare to remember
I’d never be the same.
What began as laughter
So soon would turn to pain

Ya con lo visto en A Nightmare to Remember notamos una puesta en escena mucho mas afiatada que la del 2008, lo que se hacia sentir que el concierto iba a ser bueno.

La siguiente canción es A Rite Of Passage , acá empezó a exhibirse el mejorado apoyo audiovisual con escenas de sociedades secretas, espadas y señores encapuchados con alusiones claras a la masonería. El punto fuerte llegó cuando Jordan empezó su solo con el Iphone conectado a un sistema multimedia que proyectaba una representación animada del mago de los tecladosque hacía headbanging a medida quehacia sonar el dispositivo movil.

La primera parte sobrecogedora del show(esa que te entumeces de la emoción)se dio con la versión extendida de Hollow Years. La puesta en escena se lució, con las imágenes del videoclip y el público cantando a todo pulmón. El tiempo me dio razón ya que la reacción dela gente dejaba en claro que el Falling into Infinity está dentro de los grandes discos de Dream Theater.

Acá vino el interludio musical ofrecido por Jordan Rudess y su duelo con una versión virtual de él en la pantalla, para seguir con el momento “electrónico” de la noche que es Prophets of War. Se puede criticar la notoria influencia de Muse en la canción, pero que la canción es buena no cabe duda.

El relajo lo trajo Wither, que si bien en lo personal me gusta harto, muchos aprovecharon los 5 minutos y 35 segundosdel tema para ir al baño y comprar snacks, porque el recinto tiene su venta de snacks (caros a cagar pero en fin).

El momento apabullante vino en compañía del Scenes form a Memory. Primero empezó The Dance Of Eternity desplegandoen las pantallas toda la imaginería del mejor disco de Dream Theater, seguida sonó One Last time tal como ocurre en el disco de 1999, y cuando yo daba por hecho que iba a tocar una canción de otro álbum vino la gran sorpresa de la noche. Rudess sostenía unos acordes suaves del teclado mientras Labrie decía que el siguiente tema era dedicado a todos los que hemos sufrido la tragedia del terremoto en Chile y comienza The Spirit Carries On y ahí todo se viene abajo ¡Que salida de libreto más increible y emotiva! Porque esa canción no estaba siendo tocada en la gira y hasta ese momento se estaba cumpliendo la norma de no repetir temas de setlits anteriores. Realmente se agradeció ese gesto.

Después de eso vino una revisión al Train of thought con In the Name of God, no es una de las canciones del repertorio de Dream Theater que me quitan el sueño pero igual la canté y la headbangié y con eso la banda se despedía por primera vez.

El encore y cierre del concierto se dio con el nuevo clásico del grupo: The Count Of Tuscany. Si me preguntasen una razón para ir a ver por tercera vez a Dream Theater es esta canción, que aunque es criticada por su letra media tonta, la emotividad con que la interpretan la convierte en un melancólico cuento sobre la aventura de un viajero y estos dos excéntricos hermanos.

Y ese fue el concierto de Dream Theater en Chile, para mí mejor que el del 2008 pero no mejor que el del 2005, porque creo que el del 2005 es insuperable. Muchos criticaron la ausencia de canciones de principios de los 90, pero como puesta en escena, calidad de interpretación y emotividad este fue lejos mejor que el del 2008.

Aún así el concierto estuvo muy bueno y en su mayoría los asistentes se fueron felices. Yo observaba la cara desencajada de algunos periodistas en los salones VIP que no entendían como estos tipos que practican “un collage de estilos” como leí en el diario, eran alabados por 10.000 personas que coreaban sus canciones como si fueran hits radiales y tarareaban algunos de sus desquiciados riffs. Es que se da una extraña relación entre la banda y los fans, porque nosotros(y me incluyo) le profesamos una devoción que no se ve en otros países, ni siquiera en Italia o Japón que son los otros dos lugares donde Dream Theater tienen un nivel de adoración bastante elevado, y los miembros los sienten y quedan locos. Labrie en el escenario se comportó como todo un front man, animando al publico e interactuando constantemente cosa que no hace en otros países, Petrucci también interactuó de mayor manera con la gente, creo que vi a Myung sonreír y los twitteros Portnoy y Rudess posteaban impresionados con fotos, videos y demases. Es esa relación  que los periodistas no sienten porque son meros espectadores y no participes del teatro de los sueños.

Grande Dream Theater!!

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Tiempo atrás ya narré mi historia de cómo obtuve el disco , es bueno escucharlo nuevamente y recordar todas las razones de por qué es el mejor disco de Dream Theater.

¿Y por qué es el mejor disco de Dream Theater? Bueno , un disco conceptual requiere de un trabajo de cuidado en la estructuración de las canciones, y lo lograron. Es un disco muy bien trabajado y cuidado no hay notas demás, no hay pirotecnia excesiva como ya escuchamos en los discos actuales, no hay una casi forzada inclinación al verteiente metalera del género progresivo, simplemente la música fluye contando una historia con una lírica hermosa que en 78 minutos genera ambientes de emociones durante el desarrollo de la narración con un desenlace muy desconcertante que costó un buen rato calibrar para descubrir que pasaba. Además ese misticismo del disco creció tiempo después que se reveló que fue la prueba de fuego que definió la continuidad misma del grupo.

Para terminar este post dejaré un video de la gira del scenes from a memory , con unos Dream Theater muy distintos a los de hoy, salvo John Myung que al parecer para él tiempo se detuvo en 1992 y otro del mítico concierto de Santiago el 2005.

Bueno nada más que decir que busquen sus CD del álbum, conviértalo a MP3 o AAC y escuchen el Scenes From a Memory

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Ahora si me preguntan por rock acceso a mi disco duro mental y diría: Scorpions, Helloween, Blind Guardian, Gamma Ray, Kreator, Rammstein, KMFDM, hay  hartos representantes del rock pesado alemán. Pero si me consulta de Rock progresivo…. ahí quedo tirado, si me presionan, tirando palos al aire, diría Kraftwerk y ni siquera ya que es música electrónica…

Así que cuando me encontré con este grupo de rock progresivo alemán, me fui bastante de espalda porque no me sonaban ni en pelea de perros, pero más importante, porque son bastante buenos.

¿Cómo podríamos describir a RPWL? En palabras simples: un día Pink Floyd y Marillion tuvieron un affaire y producto de eso tuvieron un hijo llamado RPWL que lo escondieron en Alemania, de hecho Yogi Lang, vocalista del grupo, es una especie de mezcla entre Syd Barret con Steve Hogart con la voz de David Gilmour.

La historia de RPWL dentro de todo es bastante sencilla: en los noventas existía en Alemania una banda  llamada Violet District que empezó con composiciones propias y se degeneró a una banda de covers. Este grupo se disuelve en 1997 y dos de sus miembros, el bajista Chris Postl y el guitarrista Karlheinz Wallner, se contactan con el tecladista Jürgen Lang  que era uno de los músicos de apoyo que tenían al tocar en vivo y empiezan a gestar esta nueva banda.

Luego de encontrar al baterista Paul Rissettio la alineación queda completa y crean su primer álbum el 2000, llamado God Has Failed. Como aún no tenían nombre entregaron un demo y en el detalle de la  autoría de las canciones  aparecía “Risettion, Postl, Wallner, Lang” a lo que uno de los miembros sugirió dejar solo las siglas y ahí sale el nombre RPWL.

God Has Failed es un muy buen álbum, tal vez la única crítica que se le podría hacer es que es muy floydezco, tanto así que cualquiera que lo escuchara en la radio creería que es Pink Floyd, pero eso no le quita merito al disco. Por ejemplo Hole in the Sky es una canción que demás pasa por el catalogo de los Floyd y hubiese sido muy bien recibida.

Ya con Trying to Kiss the Sun del 2002, RPWL  empieza a tener un sonido más alejado de la base floydesca, haciendo varios guiños a Marillion y Genesis, y con Lang haciendo más evidente su acento alemán cuando canta (cantan en inglés, el alemán no es un idioma muy melódico que digamos). Grandes canciones se encuentran en este de este disco, Tryng to Kiss the sun, Sugar for the ape, Side by side y Home Again donde se nos vuelve a recordar el legado Floydiano, quizás una de las razones que yo enganche tanto con este grupo es por el sonido de la guitarra de Karlheinz Wallner que sigue el legado de David Gilmour en cuanto a sonoridad se refiere.

Stock es un disco que compila canciones de los dos primeros álbumes, como una antesala para mi gusto,  del mejor disco hecho hasta ahora por el grupo: World Through My Eyes, un disco con un toque bastante existencialista en sus letras y que se refleja en la música. Junto con mis clásicos personales como Sleep, Start The Fire o World Trough My Eyes donde la influencia indo-arábica de Jurgen Yogi (por fin entendí por qué se pone ese nombre) Lang se hacen sentir en los arreglos esta un increíble tema como Roses donde aparece  el vocalista invitado Ray Wilson quien hace un trabajo increíble.

El año pasado sacaron The RPWL Experience un disco que si bien no es mejor que World Trough My Eyes tiene grandes temazos como Silenced, This is Not a Prog Song, o Master of War una muy buena reversión a la Floyd de la canción de Bob Dylan.

Para finalizar, mucho se ha hablado de quienes son los herederos del sonido floydiano , en un momento se dijo Raduiohead, en un principio Porcupine Tree parecía que iba por ahí, pero los 5 discos de RPWL dan por hecho que son ellos y no creo que haya un problema que suenen como Pink Floyd+Marillion si hacen buenas canciones.

En fin hay hartas canciones buenas para escuchar así que para los que en este 18 no quieren saber nada de cuecas, algo de rock/prog alemán hará bien .

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