Haciendo el camino Una bitacora sobre el transcurso de la vida

El concierto de Rush marcó un hito histórico por la importancia de su venida después de más de 30 años de espera. Sin embargo el relato de mi experiencia del concierto tiene contrapartes: La parte que la pasé como el hoyo y la parte que la pasé muy bien.

Primera parte: “La revuelta en la frontera entre cancha general y cancha Vip”  

La primera vez que escuché un concepto parecido a una “cancha vip” fue el fallido golden cirlce de U2 en chile, en que un grupo de personas quedaban más cerca del escenario por premio a su fanatismo y llegar más  temprano. Pues bien, a algún genio de marketing modificó la idea del esfuerzo y la reemplazó por dinero y nació la cancha Vip, que es distinto a separar la cancha y que de la mitad hacia adelante pongan asientos. Si bien la idea de separar la cancha para aquellos que tengan más plata estén más cerca del escenario no me gusta, son las reglas del juego y me resigno a pagar lo que mi billetera puede. Pero hay gente que de frentón le desagrada la idea o son muy barzas y tratan de pasar sí o sí y se arman desmanes como lo ocurrido en el recital de RATM. Fue ese uno de los temas (aparte de Rush) con que hablaba con amigos que iban a ir a VIP, pero la conclusión era la misma “el público de Rush es distinto al de Rage”…conclusión algo incorrecta.

Llegué temprano al Nacional con el fin de tener una buena posición en el concierto, luego de reunirme con mi hermano y un amigo llegamos hasta la reja que separaba cancha  con cancha vip y ahí esperamos tranquilamente hasta que dieron las 21:00 cuando las luces del Nacional se apagaron y dieron inicio al video que introducía todo el concepto del Time Machine Tour para luego empezar el recital como tal con The Spirit Of Radio, canción que su ejecución instrumental fue perfecta, salvo la parte vocal en que Geddy Lee tenía problemas de retorno y/o no calentó muy bien su voz, porque no le achuntó a ni una en los tonos. Luego ya con su voz más compuesta siguió Times Stand Still, lejos el tema más radial del grupo. En ese momento estaba ocurriendo lo que siempre ocurre en cancha: gente achoclonadose y haciendo presión para llegar adelante, lo cual es dentro “de lo normal” y la experiencia dice que aguantando las primeras canciones todo se normaliza.

Pasó Presto que era una de las menos populares pero aún así el ambiente se hacía más denso y los empujones y codazos empezaron aumentar. Stick it Out que era una de las que yo esperaba no la pude disfrutar del todo porque todavía la lucha por mantener en mi lugar al lado de la reja seguía.

Cuando llegó el momento de Working Them Angels la cosa como que se  comenzó a salir de control  y empezaron una horda de tarados a lanzarse encima del resto para pasarse a cancha Vip.  Lo que estos tarados no sabían es que ya se había llegado un contingente de carabineros en la zanja que dividía a las dos canchas,  así que algunos de estos hombres flotantes tuvieron un aterrizaje forzoso al suelo para que carabineros los sacaran parar fuera. Uno de estos tipos en su afán de no caer a la zanja y que los pescara los carabineros empezó a agarrarse de nosotros y en eso me dio un manotazo en la cara arrojando mis lentes lejos y cagué con mis lentes. Ante mi rabia por eso, al tipo lo “ayudé” a aterrizar de hocico al suelo para que carabineros lo  lanzase fuera.

Por desgracia mis malos ratos continuaron ya que mi amigo sufrió una descompensación producto del apretujamiento y la falta de aire y lo tuvieron que sacar afuera, no pude asistirlo porque que ya la masa humana nos había separado y no podía moverme en ese momento.Esto ocurrió en medio de Leave that thing Alone la genial instrumental del Counterparts.

Ya en BU2B, que era una de las canciones nuevas que quería escuchar, vino una segunda oleada de weones que querían llegar a como fuera a la reja para tratar de pasarse o en el peor de los casos hacer el intento inútil de botarla (porque era una reja maciza a diferencia de la de Rage) y nuevamente empezaron empujones, apretones y codazos. Ahí no aguanté más y decidí irme hacia atrás, sin embargo aproveché de repartir unos cuantos aletazos en mi retirada.

Ya estaba reubicado para Freewill, pero estaba tan molesto con lo ocurrido que no disfruté de la canción. Marathon me sirvió para poder tranquilizarme para  al fin disfrutar del show. Esto fue al final del primer Set con Subdivisions  canción que me identifica por el concepto “be cool o be cast out” que bien expone y critica Peart.

Y así terminó la primera mitad del Set y como se ve, muy bien no lo pasé, pero por lo menos había quedado ya en una locación más tranquila y pude contactarme con mi amigo y saber que estaba bien.

Segunda Parte: All the world’s indeed a stage

La segunda mitad era obviamente lo esperado por muchos, que era escuchar el Moving Pictures completo de principio a fin, Tom Sawyer, Red Barchetta , YYZ eran saludos obligados a la bandera de Rush , vacilamos con todo esas canciones, pero de verdad yo esperaba las siguientes. No es que no haya cantado Tom Sawyer y las otras, pero esas son canciones que vengo escuchando desde que tengo 15. El resto de las canciones del Moving Pictures las conozco desde hace relativamente poco tiempo, ya que el disco me lo compré (o me lo regalaron, no recuerdo bien) el 2005  y hubo un redescubrimiento de las otras canciones gracias al documental. Así que Limelight era algo que yo esperaba con ansias, porque sin duda es una de las canciones que han estado dando vuelta en mi cabeza, desde el momento que vi el tráiler del Beyond the lighted Stage a principios de año. The Camera Eye también fue otro gran momento para presenciar pero climax se dio con Witch Hunt, en especial cuando la araña lumínica cambió de forma en el momento más intenso de la canción. Vital Signs le pone fin al disco para luego dar inicio a Caravan seguida del solo de Neal Peart. Lo que más resalta de ese solo es la sección de big band donde Peart demuestra que ya no necesita tanta pirotecnia técnica para demostrar que es un buen baterista.

El otro gran momento fue cuando Alex Lifeson fraseando con su guitarra acústica dio inicio a Closer to the Heart e increíblemente, pese a que su voz no es la misma, Lee logra un estupenda interpretación del tema, incluso con el cambio raro de ritmo que le meten al final, luego siguió una versión totalmente pesada de 2112 ya que la tocan un tono más bajo. Claro, Geddy Lee ya no es el cabro de 23 años que anda gritando “We are the Priests of the Temples of Syrinx”, pero se las pudo arreglar para cantarla. Para finalizar cierran con Far Cry, canción que abre el Snakes And Arrows pero es ideal para cerrar conciertos.

 Pero esto no terminaba acá, lo mejor estaba por venir con La Villa Strangiato con la loca introducción de polka que le metió Geddy Lee. Definitivamente alguien que no conoce a Rush no entendería por qué 40.000 personas tatarean un instrumental de 10 minutos, pero así es el fanatismo por el grupo y explicarlo para aquel que no lo es fan es gastar tiempo. El golpe de cierre lo dieron con Working Man con inicio en clave de Reggae que descolocó a muchos pero duro un poco para luego volver a la clave Hard Rockera conocida por todos.

Y así terminó el concierto de Rush, concierto  que en su primera mitad no disfruté del todo pero la segunda mitad valió la pena todos los malos ratos que pasé al princpio. Me gustaría  cerrar este artículo haciendo ver dos puntos.

1. EL tema de la cancha dividida va a seguir dando problemas en cualquier concierto porque se genera rivalidades y odiosidades, no solo por los patudos que intenten pasarse a Vip, sino también por la misma gente de Vip que saca pica y se burla de la situación de cancha general (y no me digan que no es así porque fui testigo de eso).
2. Necesitamos un recinto techado  mas grande, si bien el sonido de Rush fue muy bueno, la puesta en escena se perdía porque no estaba pensada para estadios sino para Arenas. Claro, el Movistar Arena quedaba chico para las 40.000 personas , pero un recinto donde puedan meter entre 30.000 y 35.000 personas no es descabellado y facilitaría mucho la venida de bandas que piden recintos más grandes y seguros.

Existen momentos que uno prefiere que no ocurran, la salida de Mike Portnoy de Dream Theater es uno de esos momentos. No solo por la posibilidad de que la banda acabe sino también por las ramificaciones que se van a generar y que se están generando.

Tengo sentimientos encontrados, encuentro una lata que Portnoy se haya ido porque pese a todo el Mark IV de la banda era por lejos la más estable y afiatada, el verlos en vivo era toda una experiencia… sin embargo encuentro que la dirección musical y “la pose” que había tomado la banda no me estaba gustando y todo esto era obra y gracia del señor Portnoy.

Tal vez los fans más jóvenes no sepan, pero ya para el Falling into Infinity Portnoy había amenazado con irse y negoció con el líder original del grupo que era John Petrucci una serie de condiciones, que fraguaron magníficamente con el Scenes from a Memory y de ahí en adelante la vocería la tomó él como parte de un acuerdo común.

Fue bastante sorprendente ver como esa figura de “vocero” progresivamente tomaba la forma de líder y por qué no decirlo de dictador. Siempre Portnoy decía que las decisiones se tomaban en conjunto pero ya en el mismo documental del Sistematic Chaos se veía que al final su última palabra era la que valía. Si ya en una entrevista a principio de año comentaba que el 90% de las decisiones las tomaba él y que sus compañeros estaban “conformes” con eso. De alguna manera usaba eso como escudo a las críticas que le llegaban como la dirección sonora que tomó el grupo o el hecho que John Myung no estaba participando en las letras porque su estilo lírico no se ajustaba al esquema compositivo que “por acuerdo” habían planteado (el mismo Portnoy decía que la métrica de la lírica de Myung era complicada de ajustar). Esos detalles parecen weones pero en una relación de larga data empiezan a pasar la cuenta y Petrucci y Myung se la pasaron al baterista.

Portnoy sufrió el síndrome del líder, sintió que si él no estaba en condiciones de continuar con Dream Theater nadie debía de hacerlo, por eso la respuesta de sus compañeros (que tal vez solo fueron Petrucci y Myung) le indicó que su posición de líder ya no era aceptada y solo quedaba acatar o irse. La diferencia que él tenía con sus referentes de liderazgo (Roger Waters, entre otros) es que si bien el tenía el control creativo al ser el productor, no era el compositor principal, y en lo más profundo de su ser sabía que los clásicos de DT no fueron de su única autoría o de frentón no fueron escritos por él, entonces lo más inteligente que hizo fue pegar primero y publicar un muy martirizado comunicado de prensa donde en la práctica deja ver que se va por culpa de los otros, que sus ex compañeros son “los malos” por no tomar el receso que él creía que la banda debía de tomar. Encontré de mal gusto eso de que se estaba “sacrificando” para que sus compañeros pudiesen continuar. Eso de dejar mal parado a tus compañeros de banda gratuitamente se contradice con sus “deseos” de que Dream Theater prospere.

Me sorprende que muchos fans chilenos digan que Mike era el corazón de la banda o el 50% del grupo, si era así, entonces hay que aceptar que era un corazón o una mitad que no estaba del todo bien y que se estaba convirtiendo en un problema.

El encontrar un baterista carismático y tan talentoso como Portnoy va a ser todo un desafío para Petrucci y compañía , pero los grandes discos de DT se hicieron en crisis y esta es una crisis, pero que se puede sortear, porque los compositores principales siempre fueron Petrucci y Rudess y ahora Myung que tiene la libertad para escribir letras nuevamente. Todo esto da cabida a que la esperada reinvención de Dream Theater esté a la vuelta de la esquina. Puede caer mal pero la partida de Portnoy puede ser lo mejor que ha ocurrido a Dream Theater.

Hace unos cuantos días cumplí 30 años, un evento que se celebró como se debe (tranquilo principalmente) pero no quitando el hecho que ya cambié de folio y que soy un señor de las 3 décadas.

Cuando uno cambia de decenio vienen los momentos de reflexión introspección y varios etc. Como soy bastante reservado no voy a compartir esos pensamientos, pero sí algo que ha marcado mi ser: La música.

Así pues en uno de esas muchas introspecciones empecé a buscar discos que han sido significativos para mí en lo que llevo respirando en el planeta y creo que di con la lista. Para hacerlo más interesante, esta lista tiene la condición de no colocar discos de antes 1980 y la idea es que sea un disco por año. También hay que entender que obviamente no escuché necesariamente los albúmenes al momento de salir, pero igual marcaron momentos específicos de mi vida y por eso los incluyo. Ya sin más rodeos vamos con el listado:

1980: El Heaven & Hell de Black Sabbath como disco lo escuché haaarto tiempo después de haber nacido, pero fue una polera de esa época de Sabbath que me introdujo al mundo del metal (o más bien la actitud del metalero a la edad de 6-7 años). Era de esas poleras que el estampado era de plástico y obviamente negra, así que les encargo el calor. Sobre el disco refleja la genialidad de Dio de tomar la antorcha que dejó Ozzy Osbourne y generar clásicos de gran factura, Neon Knights y la misma Heaven and Hell son canciones que todo metalero la debe saber.

1981: Conocí la música de Rush en 1995 cuando me prestaron el Exit Stage Left que en la práctica enmarcaba la gira de su disco más aclamado: El Moving Pictures. Mi experiencia con Rush fue bastante particular, para ese año había escuchado gran cantidad de la discografía de Pink Floyd, Deep Purple y Led Zeppelin y de alguna manera sentía que me faltaba un grupo que articulase esos estilos y sonoridades pero que a su vez tuviese una propuesta más refrescante y a su vez heavy y el Exit Stage Left cayó del cielo, porque tal vez yo no hubiese tenido la misma reacción si hubiese conocido a Rush con el Grace Under Pressure o el Power Windows. Como dice alguien que conozco “todo pasa por algo”.

1982: Si había un grupo que me sabía mucho de su repertorio sin tener idea de quienes eran, sin lugar a dudas era Toto. En la radio que ponían mis papas en los 80’, temas como Africa, Rossana, I Won’t Hold you Back sonaban mucho y quedaron registrado en mi ADN musical. Si existe un grupo que tenía la formula en los 80’ para hacer un muy buen rock/pop capaz que quedase registrado en el inconsciente era Toto y el Toto IV es el claro ejemplo de eso.

1983: Mi primer concierto metalero consistió en ver a Ozzy Osbourne para el Monsters Of Rock junto a mis primos mayores. Admito que en esa época no conocía mucho de la discografía de Ozzy, pero conocía lo suficiente para pasarla bien en el recital. Lo que tengo muy vívido en mis recuerdos fue cuando Ozzy dio el pase para que empezasen a tocar Bark at The moon y ver como el Caupolicán se caía por la euforia de la gente, y ver a mis propios primos transformados en energúmenos eufóricos gritando “¡¡vamos a botar esta wea!!” Primera vez en mi vida que veía como una canción podía transformar a las personas casi como le ocurre a Ozzy en el videoclip. Tiempo después (creo que para mi gira de estudios) compré el Bark at the Moon y no solo corroboré que es un discaso sino que más encima que había una canción que tocaban mucho en la radio que escuchaban mis viejos, y que la tenía bien registrada en mi memoria que era So Tired, ya con eso el Bark At The Moon se convirtió en un imprescindible para mí.

1984: El caso de Van Halen tiene cierta similitud con Toto, me sabía mucho de sus riff y melodías pero no tenía idea de quienes eran, tanto así que cuando me regalaron mi primer teclado me saqué el inicio de Jump sin saber el nombre y de quién era la canción. La diferencia con Toto estaba que conocí la música de Van Halen ya que UCV utilizaba pedazos de Jump y Panamá. Fue toda una sorpresa al momento que me presentaron en sociedad a Van Halen y que todas esas melodías que ocupaba UCV venían del 1984.

1985: A Marillion los conocí a finales de los 80’ en unas vacaciones de verano. Me acuerdo bien por la carátula del Misplaced Childhood, por el dibujo del niño que se “disfrazaba” de Bernardo O’higgins. Aunque por los malos recuerdos que tuve ese verano DETESTÉ por mucho tiempo a Marillion, pero Kayleigh y Lavender ya estaban en mi subconciente. Tuvieron que pasar casi 10 años cuando Marillion vino a Chile y transmitieron el concierto que tuve mi reencuentro con el grupo. Si bien me gusta más la era “H” no puedo negar que fue el Misplaced mi primer contacto con Marillion.

1986: Para esa época programas como Más Música, o Sábado taquilla era parte de mi consumo de TV y de los videos con los que alucinaban eran los de Europe, The Final Countdown era la canción más increíble que una banda podía hacer, además esa estética de grupo ochentero con los medios escenarios con luces laser alucinaba bastante. El video de Carrie también rotaba mucho y Rock The night sonaba mucho en las radios, así que cuando tuve la oportunidad de copiar cassettes el The Final Countdown fue unos de los primeros cassettes que piratié

1987: Imposible no mencionar a los Guns N’ Roses y el Appetite For Destruction, el solo de Sweet Child of Mine fue utilizado en cuanto aviso publicitario se pudo y era el ideal de todo quienes querían aprender a tocar guitarra. Yo me acuerdo de esa época un juego de Atari llamado Jungle Hunt y con mis amigos siempre poníamos Welcome to the Jungle para jugar al juego. Era chistoso ya que mientras uno jugaba los otros hacían headbangin…que para niños de 7-8 años era saltar como monos .

1988: Iron Maiden fue otro grupo que conocí de pequeño, aunque en distintas circunstancias de alguien que conoce por lo general a una banda, porque la figura de Eddie me daba miedo, ya que mi primo la usaba para asustarme. Fue ya en 1992 con El Fear of the Dark que empezó mi fanatismo del grupo, pero si hablamos DEL álbum de Iron Maiden que me voló la cabeza fue el Seventh Son Of A Seventh Son. Razones hay varias…el inicio de poesía épica de Moonchild, lo increíblemente pegote de Can I play with madenss, lo épica que es Seventh Son Of A Seventh Son con su interludio profético, el genial inicio del bajo en The Clairvoyant y la cruda verdad detrás de el título de Only the Good Die Young . Este disco marca el punto más alto de Iron Maiden en toda su discografía más que el Powerslave , más que el Number of the Beast.

1989: Este fue un año difícil de escoger un disco, porque no recordaba o no tengo casi ningún disco que fuese significativo para mí de ese año. Hubiese puesto Dr. Feelgood, pero nunca me impresionó Motley Crue. Así que pongo acá el Seasons End de Marillion principalmente porque marca el incio de la era Hogarth, además Easter y Uninvited Guest están dentro de mis canciones preferidas de todos los tiempos.

1990: Soda Stereo es una de esas bandas que definitivamente están en “el soundtrack de una vida” la escucho desde que tenía 6 años y si existe algo que une a la familia musicalmente hablando, aparte de los Beatles(en mi caso) es Soda Stereo. Gustavo Cerati es (porque sigue vivo) uno de los mejores compositores y guitarristas de América Latina. De toda la discografía de Soda Canción Animal es mi álbum preferido. De música Ligera, Te para tres, Un millón de años luz son himnos fundamentales para mí están en este disco.

1991: 1991 fue un año de mucho bombardeo musical en la TV y en la radio, las bandas glam metal daban sus últimos intentos de sobrevivir, el Rap estaba pegando harto, Vanilla Ice era como el ícono de esa época, Guns sonaban mucho gracias a Terminator 2 y Kenny G ya asomaba su corneta soporífera en las radios. Entre toda esta entropía sonora había un video de un flaco peinado para atrás sentado en una silla mientras veía a través de flashazos escenas alusivas a la religiones mientras sonaba una mandolina como instrumento dominante. Era Losing My Religion de REM del gran Out of Time que también traía Shiny Happy People una canción diametralmente opuesta a Losing my religión y uno de los primeros intentos que yo escuchaba en unir Rap con Rock con Radio Song. El término “Rock Alternativo” no se conocía o no lo mencionaban, lo que hacía que REM fuese un bicho totalmente raro dentro de lo que sonaba en 1991, pero si hay un grupo que lo relaciono con ese año es definitivamente REM.

1992: Mi historia con Dream Theater y el Images and Words se remontan unos cuantos años después. Luego de escuchar los covers que el grupo tocaba en el A change of Season el 96, me dije “debo escuchar este grupo”, principalmente porque como nunca me llamó la atención el grunge ni el nu-metal y el rock progresivo de la escuela de Pink Floyd y Rush estaba escaso y Maiden estaba viviendo sus “crisis” con el X-factor estaba en una búsqueda de un sonido qu lo tenía bien claro en mi cabeza. Si bien empezaba a escuchar death metal eso fue un poco inercia más que un convencimiento propio de escuchar ese género, hasta que se dieron todas las condiciones y me compré el Images and words en septiembre de 1997, me acuerdo bien porque fue volviendo de gira de estudios y yo tenía claras señales de una bronconeumonia. No sé si realmente viví una teofanía o producto de la fiebre deliraba, pero escuchar el Images & Words fue una wea que hasta ese momento no me había pasado con otro grupo fue súper raro, estar tirado en mi cama, viendo el techo y sentir las melodías que formaban efectivamente “imágenes y palabras” y con esto un nuevo mundo de nuevos sonidos y sensaciones se empezaba abrir en mi camino. Desde ese entonces el Images and Words es uno de mis 5 discos preferidos de toda la vida.

1993: El Counterparts de Rush tiene una historia bastante especial. Luego de escuchar el Exit Stage Left empecé a buscar más discos de a banda y me topé con dos; el Hemispheres y El Counterparts. Aluciné con el Hemisferios, pero no así con el Counterparts, obviamente estaba muy embobado con la onda progresiva con canciones largas y cosas épicas y las referencias a la mitología griega y a Nietzsche con el conflicto de Dionisio y Apolo. Pero a medida que yo maduraba me daba cuenta que el Counterparts era el mejor disco de Rush ya que los validaba como un sólido power trio ya con 25 años de carrete en esa época. El inicio de Animate es alucinante, Stick It Out es lejos el tema más pesado, lo melancólica que llegaba ser Nobody’s Hero, la sabias frases de Cold Fire y The Speed Of Love, lo alucinante que era Double Agent y lo esperanzadora de Everyday Glory , la suma de las cosas hacia que el Counterparts sea un portentoso álbum.

1994: Conocer a Pink Floyd fue bastante paradojal ya que el Division Bell fue el primer disco que escuché de ellos y resultó ser el último que publicaron como grupo. Sin embargo esto me dio tal vez una perspectiva distinta para acerarme a la música de Pink Floyd, un gran referente musical para mí. Desde ese momento que de ahí empecé a escuchar sus clásicos empezando por The Wall y de paso a conocer la tormentosa historia del grupo. Como en la práctica conocí al Pink Floyd de Gilmour y me convertí en devoto del sonido gilmouriano, siempre sentí que en gran parte de la “historia escrita” de la época sobreendiosaba la figura de Roger Waters y a la figura ausente de Syd Barret dejando a Gilmour y todo su legado (que es en la practica el sonido característico de Pink Floyd) en un muy segundo plano. Por fortuna el paso del tiempo reivindicó a Gilmour y a este disco que es un excelente disco.

1995: 1995 fue el año que el metal reinaba en mi curso, creo que si hubo un años donde tuve el mayor grado de infusión con el Death Metal fue ese, lo loco es que paralelamente yo escuchaba música de los 70. En fin , cuando esa gran vendaval pasó y uchas bandas pasaron al olvido las que recuerdo claramente son dos: Cannibal Corpse y Death pero la que hoy sigo escuchando es Death, siendo el Symbolic mi disco preferido de la agrupación, principalmente porque considero que ese disco es un manifiesto que se puede hacer algo brutal y a la vez sutil siendo totalmente cuidadoso en el momento de composición y grabación del disco, cosa poco común en los grupos death metal que realzan la brutalidad. El Symbolic tiene algo que lo hace único, que es el manejo de las tensiones dentro de la canción , hay pequeños espacios de calma que el genio de Schuldiner generaba, dejando en claro que lo que importaba era la música y que el metalero puede llegar a tener un oído entrenado y disfrutar de esos detalles.

1996: Ya en este año mi fanatismo por Deep Purple era declarado, y salió al mercado este disco el cual es un disco injustamente juzgado, ya que tiene el defecto de llamarse Deep Purple y de ser el primero de la definitiva época Post-Blackmore. Es que para el fan fundamentalista le habrá caído como patada en la guata cambiar del clásico sonido purista/blusero/barroco como el de Ritchie Blackmore a uno virtuoso-tecnicista/distorsionado/jazzfusionado como lo es Steve Morse, al cual le cayeron las criticas por el cambio de sonido de la banda en 1996. Es que tal como dice el nombre del disco, el grupo realiza un giro de 90 grados a una búsqueda de sonidos nuevos, mas distorsionados y con composiciones que se alejan del clásico hard rock hacia sonidos más tirados al jazzfusion, con arreglos bastante bien hechos encontrando desde baladas hasta algunos temas algo folk e incluso countrymetal (por decirlo de algún modo). Y claro riffs hardrockeros y duelos entre el teclado y la guitarra, en una época que todavía prevalecía la melodía a la velocidad. Desde mi perspectiva, hasta la fecha este ha sido el mejor disco del grupo desde Perfect Strangers. Y me presentó a uno de mis héroes de la guitarra como lo es Steve Morse.

1997: Metallica empecé a escucharlo a partir de 1992 con el álbum negro, que es el álbum que casi todos conocen. En esa época Metallica se encaminaba como la banda más grande del mundo y como Guns se disolvería un par de años después, no había duda que iba a ser así…hasta que se cortaron el pelo, y empezaron a aparecer más seguido en MTV, porque seamos sinceros lo que descolocó y molestó a muchos es su cambio de pose, porque desde que tengo memoria musical y averiguo sobre las bandas no existe un caso en que se generara una animadversión como que le pasó a Metallica a partir del Load y sigue hasta estos días y fue más por su cambio de pose que cambio de estilo. Si bien el Load pagó el precio de la transformación de sonido de thrash a Hard Rock, pienso que el Reload(que fue mi primer CD original de Metallica) como álbum está mucho mejor resuelto y tiene super buenos temas como Fuel (que es EL tema que siguen tocando hasta hoy) The memory Remains, Devil Dance entre otros, muchas de estas canciones que no se volverán a oir en vivo por los fanáticos mas fundamentalistas y la triste asociación que se le hace este periodo con el tema Napster que por desgracia opacó más aún este álbum.

1998: EL grunge no fue lo mío, me costaba hacerles click, como que necesitaba trasponer sus canciones para empezar a aceptarlas como lo que me ocurrió con Nirvana y el Unplugged. En el caso de Pearl Jam no era un grupo de mi total gusto hasta que salió el Yield, un disco que se notaba una total evolución del grupo en crear canciones, los discos anteriores siempre tenían cierto remanente al Ten que también es un buen disco , pero tenían es vibra grunge que yo no enganchaba . Pero con el Yield empecé a ver a Pearl Jam como una banda Hard Rock y es desde entonces que me gusta el grupo. Es increíble como un disco en particular te puede cambiar toda la mirada de una banda.

1999: El Scenes froma a Memory es sin lugar a dudas el mejor disco de Dream Theater ¿por qué? Porque es una obra de arte, un disco muy bien trabajado y cuidado, no hay notas demás no hay pirotecnia excesiva como está pasando en los discos actuales, no tratan de forzar estilos, simplemente la música fluye contando una historia con una lírica hermosa que en 78 minutos genera ambientes de emociones durante el desarrollo de la narración con un desenlace muy desconcertante que costó un buen rato calibrar para descubrir que pasaba. Además ese misticismo del disco creció tiempo después que se reveló que fue la prueba de fuego que definió la continuidad misma del grupo. Todo esto sumado a que el arte del álbum estuvo a cargo de un grande como es el caso de Dave McKean, hace del disco un objeto de culto, con una caratula que fascina y a la vez asusta. Aparte las circunstancias en que se dio la comprá fue bastante especial como escribí tiempo atrás.

2000: El cambio de milenio marcó notoriamente lo que se veía en la TV y se escuchaba en la radio en cuanto a consumo musical, mucho Limp Bizkit, Korn, Kid Rock, Britney, Cristina Aguilera . De repente en una noche escuché la voz de Maynard James Keenan de Tool y me dirijo a la TV y no era Tool, era otra banda pero lo que sonaba era bueno, totalmente distinto a lo que en ese año sonaba en MTV y en las radios en general, como describirlo…un sonido industrial más accesible y así apareció A Perfect Circle con Mer de Noms, lejos lo mejor que estaba dando vueltas el 2000.

2001: El 2001 fue el año que vivimos en peligro (y el que me tomé mi año sabático), el atentado a las torres gemelas dio mucho que hablar y muchas sensibilidades se sentían en el ambiente. No sé si Tool captó es espíritu de manera profética, pero el Lateralus captura muy bien es vibra media oscura que se vivió ese año. Los conceptos religiosos como Schisim o Parábola, entrecruzado con ideas como la rabia tratados en The Grudge o esa disruptiva alusión al fin del mundo al final del disco, lo hacía algo que llamaba la atención. Admito que Tool no me hacia clic, tal vez la voz de Keenan me hacia un poco corto circuito, pero fue gracias a A Perfect Circle que la terminé aceptando y bueno que Tool tomara un rumbo mas progresivo también: D.

2002: El Six Degrees Of inner Turbulace de Dream Theater tiene varias significaciones, primero lo compré con dinero que generé producto de mi trabajo, fue la primera vez que compraba un disco con plata obtenida por trabajar y se sintió bien, además marcó la vuelta a la universidad luego de mi año Sábatico. Ahora respecto a Dream Theater mismo este disco marcó un notorio punto de inflexión donde se hacía una clara separación entre el lado metalero y progresivo, y que era muy evidente entre el disco uno y el disco dos, tanto así que el Train of Thought y el Octavarium fueron claras continuaciones de esta bifurcación y bueno al final vemos cual bifurcación tomo el grupo de manera definitiva.

2003: Ya para la primera mitad de la década estaba sintiendo que la “formula” progresiva se estaba agotando, si bien King Crimson y Tool estaban sacando buenos discos, como que sentía la necesidad que bandas apropiasen elementos progresivos y le dieron un giro distinto, para mi fortuna encontré dos bandas en esta década, una de ellas es Muse. Si bien Muse tiene un fuerte sonido british mainstream , la influencia de Queen progresivamente se hacia notar , en el buen uso del piano y las guitarras , no solo en el hecho que sonaran “bonito”, cosa que cualquier banda british podía hacerlo pero que tenga un componente de fuerza, caracter como ocurre en el Absolution con temas como Apocalypse Please, Stockholm Syndrome, o Butterflies and Hurricanes.

2004: El 2004 fue mi reivindicación con Megadeth, por mucho tiempo lo único que escuché del Megadeth fue el Youthanasia en un cassette súper rayado, luego le perdí la pista y había dado por muerto al grupo cuando Mustain se había cagado la mano a principios de la década del 2000, pero cuando volvieron con The System Has Failed quedé patrás, se me había olvidado lo bueno que era Megadeth. De ahí en adelante hubo una reivindicación por parte mía al grupo de Mustian y ya son parte del soundtrack de mi vida (que cursi esa frase jaja).

2005: el 2005 es el año que salió el Octavarium de Dream Theater, pero como mencionaba anteriormente, el grupo de Portnoy y asociados de algún modo vislumbraba ya señales de agotamiento creativo, que quedaría más expuesto en los dos siguientes discos. Ya había mencionado a Muse como uno de los grupos que rearticularon elementos progresivos y los hicieron mas mainstream. El otro grupo es Porcupine Tree liderado por la mente maestra de Steven Wilson. El primer disco que escuhé fue el Deadwing y quedé peinado para atrás , eran canciones que tenían una fuerza inusitada, pero no era un festival técnico ni tampoco una cosa precaria ruidosa, las notas estaban tocadas en el orden exacto, el nivel de producción sonora era muy elevado, no había detalle suelto, pese a los simple que parecia sonar, Porcupine Tree rescató la importancia del buen sonido y de las melodías bellas que parecía que en el ámbito de lo progresivo/psicodélico del 2005 se derivaban en técnica y experimentación. Las líricas son todo un tema, melancólicas , irónicas, duras, pero con muchas dosis de verdad. De ahí en adelante me convertí en un ávido fan de este grupo, descubriendo su faceta psicodélica que era digna de decir que fueron los sucesores naturales de pink Floyd antes que Radiohead…pero que luego me di cuenta que había otro grupo con ese cetro.

2006: Después del Live 8 David Gilmour había logrado lo que por mucho le fue esquivo, me refiero a su reconocido sitial como pilar fundamental del legado de Pink Floyd. Pero le faltaba algo, un buen disco solista. El Division Bell por mucho que él haya sido el compositor principal, era de Pink Floyd, así que necesitaba mostrar algo propio, y logró hacerlo con On an Island , disco que muestra su lado más folk que los estaba cultivando y mostrando por qué ha obtenido el estatus de uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. El On a Island también tiene el detalle que es el último álbum en estudio donde participó Rick Wright.

2007 : El 2007 Porcupine Tree ataca de nuevo y esta vez Wilson muestra su perspectiva de cómo puede sonar una banda de metal progresivo según su enfoque, con un disco que de frentón se puede definir “de protesta” Fear of a Blank Planet es el comienzo de una declaración de principios acerca de la sociedad alienada producto del sobre consumo de medios de comunicación como la Tv o los dispositivos portátiles y los fármacos. Una muy cruda visión del mundo que nos hace sacudirnos y hacernos consientes que algo no anda del todo bien en la sociedad que estamos viviendo. En una era que los discos de denuncia fueron cayados por las disqueras y la temática común son las desilusiones amorosas, existe alguien que denuncia los problema más macro y ese es Steven Wilson y su instrumento para hacerlo es Porcupine Tree.

2008: Si me dicen ¿Quién fue el personaje de la segunda mitad de la década del 2000 musicalmente hablando Steven Wilson de eso no tengo duda, adentrarse más en el prsonaje es abrir un mundo de bandas musicales como No-Man o Blackfield y claro Porcupine Tree, entonces ¿para que un disco solista? Es entonces que Insurgentes pasa a ser el eslabón perdido del ecléctico mundo compositivo de Stven Wilson, ya que estas canciones podríamos colocarlas en un centro perfecto que conecta a todo lo que él ha hecho. La gracia de las canciones de Insurgentes es que se parece a todo lo que ha hecho anteriormente y a la vez no, como él declaró son canciones que necesariamente encajaban en un disco solista. Las canciones de este disco son por lo general atmosféricas con sensaciones sombrías y desoladas. Lasse Hoile logra capturar muy bien en fotografías y videos la imaginería de este disco, donde también acá hace su manifiesto contra la sociedad ipod como él ha llamado.

2009 : El 2009 fue difícil de elegir ya que ni Dream theater ni Porcupine Tree ni Muse hicieron un disco 100% redondo, cada uno tenía ciertas imperfecciones. Durante el año pasado siempre cuando salía un disco nuevo decía este es el disco del año, pero a medida que los escuchaba encontraba peros. La sorpresa la trajo la vuelta a escenarios de una banda que estaba muerta desde hace casi 10 años : Transatlantic con The Whirlwind, un disco súper ambicioso porque en la práctica era una gran canción de 77 minutos de un grupo que se había separado hace tiempo y resultó no solo el mejor disco del años sino el mejor de Transatlanic hasta la fecha, un disco que mantiene la onda espiritual de los anteriores, con la batuta lírica manejada por Neal Morse, pero hicieron un switch en cuanto al protagonismo vocal dando paso a Roine Stolt como vocalista principal y dando más participación vocal a Portnoy y Trewavas lo que le da un giro totalmente distinto a este disco en comparación a los anteriores. Es increíble la conjunción que se da porque los músicos adquieren un protagonismo que no se da de la misma manera en sus bandas, Morse se orienta a la lirica mas espiritual y menos religiosa, Trewavas resalta en su manejo en el bajo cosa que últimamente no se ve en Marillion y Portnoy toca lo justo y necesario sin convertir su participación en una exibición de técnica como lo ha estado haciendo con Dream Theater, eso pequeños pero importantes detalles hacen que el The Whirlwind sea lejos lo mejor del 2009.

2010: El 2010 es para un grupo que conocí el 2009 pero que sacaron este año un compilado ideal para conocer su música, me refiero a RPWL y The Gentle Art Of Music. Mucho se ha hablado de quienes son los herederos del sonido floydiano , en un momento se dijo Radiohead, en un principio Porcupine Tree parecía que iba por ahí, pero los 5 discos de RPWL dan por hecho que son ellos…pero con una dosis del sonido de Marillion. Lo entretenido de RPWL es que se puede hacer el ejercicio de decir que así sonaría Pink Floyd de seguir existiendo y de haber tomado ciertas ideas de Marillion, gracias a que Jürgen Lang canta igual que David Gilmour y el sonido de la guitarra de Karlheinz Wallner refleja un justo legado de Gilmour en cuanto a sonoridad se refiere.

Y he terminado mi revisión de 30 años a través de 30 discos… lo mas probable es que haga otra así a los 35 o tal vez los 40